Błaźej Peszek, Rafał Simonides, Bartek Juda

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10. Juni (18.00 Uhr)

Die Inszenierung ist eine Hommage an ein Genre: Sie verbindet spektakuläre asiatische Martial Arts-Elemente mit Merkmalen des B Movies, derber Humor vereint sich mit fernöstlichen Kampfszenen. „Der Mann mit der Todeskralle“ löste in Polen eine wahre Kung-Fu Begeisterung aus und machte Bruce Lee zum Helden einer ganzen Generation. Mit seinem erstgeboren Sohn Brandon Lee kämpft er um Anerkennung und Macht, um die Vorherrschaft von Gut gegen Böse. In einem finalen Kampfturnier, dem perfekten Schauplatz für den Kämpfer Bruce Lee, kommen alle Kampftechniken zum Tragen, die ihn nach seinem Tod so berühmt werden ließen. Während der Vorbereitung dieses Wettkampfs haben die Macher verschiedene Beziehungskonstrukte untersucht, z.B. das Verhältnis von Meister und Schüler, Vater und Sohn, Krieger und Feigling, Chef und Untergebenem. Bekannte Europa- und Weltmeister im Muaythai, Wushu, Aikido und Jeet Kune Do beteiligen sich an den aufwändigen Kampfszenen.

„Enter the Dragon. Trailer“ ist eine aberwitzige Show, die das Kunststück vollbringt, mit Sprache, Bildern und den gängigen Klischees „wahrer Männlichkeit“ zu jonglieren. Der dramaturgische Bogen der Inszenierung führt von der konkreten Ebene des Konflikts zwischen den Protagonisten zur übergeordneten Ebene des Ideals eines „über-männlichen“ Karate-Kämpfers, der seine körperlichen Grenzen überschreitet im Dienst seines nie-endenden Kampfes gegen das Böse. Durch die Vermischung unterschiedlichster Elemente beleuchten die Macher das Phänomen vom „Ende der Männlichkeit“ in einer Welt, die von den ewigen Jungs dominiert wird.

REGIE: Bartosz Szydłowski
AUSSTATTUNG, LICHTDESIGN: Małgorzata Szydłowska
MULTIMEDIA: Dawid Kozłowski
MUSIK: Marcel Chyrzyński
CHOREOGRAFISCHE BERATUNG: Cezary Tomaszewski

MIT: Marcin Adamowicz, Michał Adamowicz, Włodzimierz Bareła, Adam Habib Buratowski, Mariusz Cichoński, Stanisław Dziedzic, Michał Frosik, Grzegorz Gromek, Bartłomiej Juda, Zygmunt Józefczak, Mikołaj Karczewski, Robert Karpiński, Jakub Kotyński, Kamil Mróz, Jakub Nosiadek, Błażej Peszek, Jan Peszek, Rafał Rospond, Rafał Simonides, Dominik Stroka, Kamil Zakrzewski

DAUER: 1 Stunde 15 Minuten, keine Pause

Philine Bührer, Birger Frehse, Tatjana Pasztor, Rolf Mautz

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Uraufführung

11. Juni ( 18.30Uhr )

„Vater: Eine Familie ist doch ein Wert, Petra.
Mutter: Ja, und jetzt ist gerade Werteverfall.“
Ursprünglich, so lesen wir unter dem Eintrag „Familie“ auf Wikipedia, „bezeichnete der lateinische Begriff ´familia´ nicht die heutige Familie (Eltern und deren Kinder), sondern den Besitz eines Mannes, den gesamten Hausstand: seine Ehefrau, Kinder, Sklaven und Freigelassene sowie das Vieh.“ Der Vater in Löhles Stück sähe sich vielleicht ganz gern in der Rolle des pater familias, dessen Blick im Kreise der Seinen wohlgefällig auf dem Erreichten ruht – wäre da nicht das Problem, dass man sich des Erreichten nicht mehr sicher sein kann. Denn irgendwann zwischen Neunzehnhundertungerade und Zweitausendundirgendwas ist sie plötzlich zu Tage getreten: die Zerbrechlichkeit.

Löhle zeigt die Familie als kleinste ökonomische Einheit einer Gesellschaft, in der Bindungen ebenso konjunkturabhängig sind wie Arbeitsplätze. Er unterläuft damit das Diktum, deutsche Jungautoren könnten, weil unpolitisch, nichts als Familien- und Beziehungsdramen schreiben. Dabei ist „Der Wind macht das Fähnchen“ gar kein Drama, sondern eine hochamüsante Komödie, die die Befindlichkeiten der bundesdeutschen Gegenwart aufs Genaueste erfasst.

Mit Philipp Löhle konnten wir einen der überzeugendsten deutschen Dramatiker der jüngeren Generation für ein Auftragswerk gewinnen: 2007 zum Dramatikerworkshop des Berliner Theatertreffens eingeladen und für „Lilly Link“ mit dem Jurypreis des Heidelberger Stückemarktes ausgezeichnet, war Löhle 2008 mit „Genannt Gospodin“ für den Mülheimer Dramatikerpreis nominiert; er erhielt dafür außerdem den Förderpreis des Bundesverbandes der Deutschen Industrie. Der 1978 geborene Löhle studierte Theater- und Medienwissenschaften, arbeitete als Regieassistent und war von 2008 bis 2010 Hausautor am Berliner Maxim Gorki Theater.

Der junge Regisseur Dominic Friedel wurde 1980 in Ansbach geboren und studierte Theater- und Medienwissenschaften an der Universität Erlangen/Nürnberg. Von der Saison 07/08 bis 10/11 war Friedel Regieassistent am Berliner Maxim Gorki Theater; es entstanden in dieser Zeit diverse eigene Regiearbeiten. Mit dem Autor Philipp Löhle verbindet ihn bereits eine längere Zusammenarbeit: Gemeinsam entwickelten die beiden am Maxim Gorki Theater das mehrteilige Format „ Löhles Kommentar zur Wirklichkeit“; im Mai 2010 brachte er die Uraufführung von Löhles Stück „Die Überflüssigen“ heraus. Die Inszenierung wurde zum Heidelberger Stückemarkt 2011 eingeladen.

INSZENIERUNG: Dominic Friedel
AUSSTATTUNG: Karoline Bierner
LICHT: Lothar Krüger
DRAMATURGIE: Almuth Voß
MIT: Philine Bührer, Birger Frehse, Rolf Mautz, Tatjana Pasztor

DAUER: ca. 1 Stunde 30 Minuten, keine Pause

Gregor Henze, Marco Wohlwend, Lutz Wessel, Sophie Basse, Julia Wolff, Anne-Catherine Studer, Holger Kraft, Thomas Braus

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11. Juni (20.15 Uhr)

„Was ist ein Dietrich gegen eine Aktie? Was ist ein Einbruch in eine Bank gegen die Gründung einer Bank?” fragte damals angesichts der Weltwirtschaftskrise der junge Brecht. Nach der letzten großen Krise der Finanzwirtschaft ließe sich hinzufügen: „Was ist die Unfähigkeit, einen Kredit abzuzahlen, angesichts der massenhaften Verkäufe von faulen Krediten?” Millisekunden, die über Millionen entscheiden; virtuelle Finanzströme, die gleich Funkwellen den Äther umrauschen; Handel mit Optionsscheinen auf zukünftige Optionen, die sich als Wahngebäude oder großer Fake offenbaren – und an den global vernetzten Computern vom Heim-PC bis zum Börsengroßrechner sitzen die Zocker aller Couleur und Zahlungskraft: Kleinanleger und Großaktionäre, Finanzberater und Bankenmanager. Wenn die Blase platzt, sind die Auswirkungen auf die reale Lebenswelt zahlloser Menschen eklatant, das Fundament unserer Gesellschaft erschüttert. Doch kaum ist die Schockwelle abgeebbt, kaum sind die letzten Forderungen nach grundlegenden Veränderungen resonanzlos verklungen, stellt sich die kollektive Amnesie ein. Business as usual, wieder fließen die Millionenboni – bis zur nächsten Krise.

Elfriede Jelinek hat mit „Die Kontrakte des Kaufmanns” der Kritik des Bereicherungswahns nicht ohne Humor Ausdruck verliehen und sich auch gegenüber dieser Zeitkrankheit als wachrufende Chronistin und Pamphletistin erwiesen. Aus ihrer Hand wird die Sprache zu Schwert und Schild gegenüber einer Wirklichkeit, in der die Sprache selbst stets als erstes verramscht wird. Ausgehend von konkreten Wirtschaftsskandalen schrieb sie diese furiose Sprachpartitur für ein polyphones Orchester, aus dem Zocker und Geprellte, Global Players und ruinierte Kleinanleger gleichermaßen ihre Stimme erheben. Aufklärung ist für sie Religionskritik. Die Religion, auf die sie abzielt, oder vielmehr der Götzendienst um das goldene Kalb: Das Kapital.

INSZENIERUNG: Christian von Treskow
BÜHNE: Jürgen Lier
KOSTÜME: Dorien Thomsen
MUSIK: Bastian Wegner
DRAMATURGIE: Sven Kleine
MIT: Spohie Basse, Thoams Braus, Gregor Henze, Holger Kraft, Maresa Lühle, Anne-Catherine Studer, Hendrik Vogt, Lutz Wessel, Marco Wohlwend, Julia Wolff

DAUER: 2 Stunden 15 Minuten, keine Pause

Ensemble

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12. Juni (20.30 Uhr) 

Zwei Königinnen streiten – über Revolution und Gewalt, Männer und Mode, Widerstand und Freiheit. Resigniert und einsichtig die eine, trotzig und stur die andere. Es sind Friedrich Schillers Maria Stuart und Elisabeth I., die hier als Ulrike Meinhof und Gudrun Ensslin neu aufeinander treffen. Nur noch im Widerspruch vereint, stolpern die beiden durch die Zeiten und liefern sich einen virtuosen verbalen Schlagabtausch über die (Un-)Möglichkeit, die Welt zu verändern, über bewaffneten Kampf, Idealismus und Ideologie. Anhand der Königinnen veranschaulicht Elfriede Jelinek mit Eloquenz und Sprachwitz mehr die Unmöglichkeit des Aufbegehrens, als dass sie die Geschichte der RAF und des Deutschen Herbstes nacherzählt. Zwei starke Frauen und ihr Wille zum Widerstand scheitern an „den Verhältnissen”, aber auch an persönlichen Differenzen – an der Auseinandersetzung um einen Mann (Andreas Baader) beispielsweise –, an der Diskrepanz zwischen revolutionärer Gesinnung und der eigenen Verstrickung in kapitalistische Mechanismen, an mangelnder Solidarität, blindem Aktionismus und niederen Instinkten wie Neid und Eifersucht.

Elfriede Jelinek (*1946) zählt zu den bedeutendsten deutschsprachigen Gegenwartsautorinnen. Ihr Werk umfasst Romane wie „Die Klavierspielerin” (1983), „Lust” (1989) und „Gier” (2000) sowie Lyrik, Essays, Übersetzungen, Hörspiele, Drehbücher und über 20 Theaterstücke. „Ulrike Maria Stuart” wurde erstmalig 2006 in Hamburg aufgeführt; ihr jüngstes Stück „Winterreise” kam im Januar 2011 an den Münchner Kammerspielen zur Uraufführung. Elfriede Jelinek wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und erhielt 2004 den Nobelpreis für Literatur.

INSZENIERUNG: Hermann Schmidt-Rahmer
BÜHNE: Thilo Reuther
KOSTÜME: Michael Sieberock-Serafimowitsch
DRAMATURGIE: Carola Hannusch
VIEDEO: Matthias Lippert
MIT: Stefan Diekmann, Ingrid Domann, Christian Kerepeszki, Bettina Schmidt, Sven Seeburg, Silvia Weiskopf

DAUER: 2 Stunden, keine Pause

Carlo Ljubek

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13. Juni (19.30 Uhr)

Die Stadt ist in der Krise. Schon wieder oder noch immer, denn politische und religiöse Brandherde schwelen seit Jahren hinter Thebens Mauern. Die Regierung ist schuld, so viel steht fest. Sie muss weg, sagt Polyneikes, der jüngste Sohn des Ödipus, und zieht mit einem Heer von Verbündeten gegen die Mauern der eigenen Stadt. Sein älterer Bruder Eteokles weicht nicht vom Thron, obwohl vereinbart war, je ein Jahr im Wechsel zu regieren. Jetzt droht der Krieg. Ein Vermittlungsversuch der Mutter Iokaste scheitert. Die Regierung ist schuld, sagt auch Teiresias, die Instanz der Religion. Die Stadt kann nur gerettet werden, wenn die Herrscherfamilie des Ödipus endlich aus Theben verschwindet und wenn Menoikeus, der jüngste Sohn des künftigen Machthabers Kreon, freiwillig den religiösen Märtyrertod stirbt. Muss es zum Äußersten kommen?
Die in den „Phönizierinnen“ aufgeworfenen Fragen nach der Legitimation des Herrschens, den Mitteln von Politik und Religion und nach der Verantwortung des Einzelnen gegenüber der Gemeinschaft sind von erstaunlicher Aktualität. Die politische Umbruchsituation wird vor allem aus der Perspektive der jungen Generation erzählt, die gegen die Haltung ihrer Väter und Mütter aufbegehrt.

REGIE: Robert Borgmann
BÜHNE UND KOSTÜME: Susanne Münzer
DRAMATURGIE: Sybille Meier
MIT: Yorck Dippe, Marina Frenk, Orlando Klaus, Carlo Ljubek, Renato Schuch, Julia Wieninger

DAUER: ca. 1 Stunde 30 Minuten, keine Pause

Matthias Heße, Katja Stockhausen, Frank Wickermann

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14. Juni (18.00 Uhr)

Cléanthe liebt Marianne – aber kann sich nicht offenbaren, weil
er Angst hat, dass der Vater dann den Geldhahn zudreht. Elise
liebt Valère – heimlich, ebenfalls aus Angst vor Papas Geiz. Und
der selbst wird fast wahnsinnig vor Panik, jemand konnte seinen
Schatz finden. Alle im Hause Harpagon leiden unter dem Kontrollwahn
des Alten. Geld ist Macht und bestimmt sogar die Gefühle.
Harpagon ist der Inhaber der Macht. Aber wer ist Harpagon?
„Der Geizige“ ist eine Komödie der Liebe und zugleich ein bitterkomisches
Lehrstuck über die zersetzende Kraft des Geldes. Uraufgeführt
hat es Moliere 1668 – mitten in der Zeit des Barock,
einer Epoche der herrschaftlichen Pracht. Wo der Reichtum war,
war die Macht. Und die Kunst.
Philipp Preuss und das Ensemble untersuchen die Kraft der
Scheine und Machtstrukturen, auch ganz direkt auf dem Theater
– und fragen, wer der Geizige ist. Vielleicht am Ende wir selbst?

Jean Baptiste Molière (1622 – 1673) ist einer der großen Klassiker
und machte die Komödie zu einer der Tragödie potenziell
gleichwertigen Gattung. Er war Dramatiker, Theaterleiter und
Schauspieler – seine Bühne war ein Diskussionsforum für die
Probleme „richtigen“ und „falschen“ Verhaltens in der Gesellschaft
seiner Zeit. Dabei wurde er von Ludwig XIV., dem „Sonnenkönig“,
gefordert – und stellte sich zugleich immer wieder
in Opposition zu den gegebenen Herrschaftsstrukturen.

INSZENIERUNG & AUSSTATTUNG: Philipp Preuss
DRAMATURGIE: Felix Mannheim
MIT: Patrick Dollas, Matthias Hesse, Marieke Kregel, Katja Stockhausen, Frank Wickermann

DAUER: ca. 1 Stunde 45 Minuten, keine Pause

Jürgen Hartmann, Kapelsky, Kristina-Maria Peters

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14. Juni (20.15 Uhr)

„Du findest dich im Leben überhaupt nicht zurecht.“ Dieser Satz ihres Vaters klingt Nadezda noch lange im Ohr. Sogar nachdem er längst tot ist. Überhaupt: Es sind die Väter, die das neue Stück von Biljana Srbljanović bestimmen. Die anwesenden ebenso wie die abwesenden. Da ist zum einen Nadezda, die ihren Vater ins Krankenhaus bringt, weil er krank ist, obwohl er sich stur dagegen wehrt. War er nicht immer gesund? Was soll er dann in einem Krankenhaus? Eine Auseinandersetzung zwischen Tochter und Vater folgt: kämpferisch, persönlich und zutiefst berührend. Aber auch die anderen Figuren von Biljana Srbljanović arbeiten sich an ihren Vätern ab: Kindchen wartet, eigentlich immer schon, auf den Vater, der niemals auftaucht, und findet in Ropac Ersatz – und vielleicht sogar so etwas wie Liebe. Und Aleksa, der Arzt aus dem Krankenhaus, lebt wieder bei seiner Mutter. Mit fünfzig. Auch hier ein Vater, der fehlt. Und eine Mutter, die auch das noch mit übernimmt. In einem Reigen hängen sie alle miteinander zusammen. Sie begegnen einander, obwohl sie sich eigentlich nicht kennen. Zufällig und in starken persönlichen Szenen. Und sie wissen doch nicht, wie sehr sie tatsächlich miteinander verbunden sind. Die serbische Autorin Biljana Srbljanović gehört zu den wichtigsten Stimmen der europäischen Gegenwartsdramatik. Sie hat ihr neues Stück für das Schauspielhaus Bochum und für den Regisseur Anselm Weber geschrieben.

REGIE: Anselm Weber
BÜHNE: Raimund Bauer
KOSTÜME: Meentje Nielsen
MUSIKALISCHE LEITUNG: Gregor Hengesbach
MUSIKALISCHE MITARBEIT: Nils Imhorst, Jan-Sebastian Weichsel
DRAMATURGIE: Thomas Laue

MIT: Andreas Grothgar, Jürgen Hartmann, Dieter Hufschmidt, Kapelsky, Kristina-Maria Peters, Henrik Schubert, Xenia Snagowski, Anke Zillich

DAUER: ca. 2 Stunden, keine Pause

Ensemble

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Deutschsprachige Erstaufführung

15. Juni (20.15 Uhr)

Michel Houellebecq hat einen neuen Roman geschrieben, der die literarische Welt überrascht hat, denn er ist unaufdringlich, reich an Formen und Themen, voller Moral und Humor. Die Presse jubelte: „Perfekt“ (Die Zeit), „Ein großer Wurf“ (Süddeutsche Zeitung). „Karte und Gebiet“ spielt im Gestern, Heute und Morgen und handelt von der Bildenden Kunst und ihren Marktmechanismen, von Tod und Euthanasie, von Vätern und Söhnen, defekten Heizungen, Steve Jobs und der Arbeitswelt, von William Morris, der französischen Provinz und ihrer Wiederentdeckung, einer schönen Russin – sowie von Michel Houellebecq und dessen Hund. Letztere werden so zerstückelt aufgefunden, dass ihre sterblichen Reste in einen Kindersarg passen.

Regisseur und Autor Falk Richter geht es bei seiner Adaption nicht um Nacherzählung und Vollständigkeit, sondern um die atmosphärische Übertragung der Houellebecq’schen Welt-Analyse auf die Bühne – mit den Mitteln der Bühne.

Michel Houellebecq, 1958 auf La Réunion geboren, wuchs auf dem Land in Frankreich auf. Er arbeitete als Agraringenieur und Informatiker. Der Durchbruch als Schriftsteller gelang ihm mit Ausweitung der Kampfzone, später folgten Elementarteilchen und Plattform. Seine drastischen Schilderungen des asozialen, sexuell frustrierten Menschen brachten ihm das Label des Skandalautors ein.

REGIE: Falk Richter
BÜHNE: Katrin Hoffmann
KOSTÜME: Daniela Selig
VIDEO: Chris Kondek
MUSIK: Malte Beckenbach
LICHT: Carsten Sander
DRAMATURGIE: Jens Hillje, Almut Wagner
MIT: Malte Beckenbach, Moritz Führmann, Olaf Johannessen, Christoph Luser, Karin Pfammatter, Werner Rehm

DAUER: 2 Stunden 30 Minuten, eine Pause

 Caroline Hanke, Luise Heyer

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Zweiteilige Inszenierung

16. Juni (19.00 Uhr)

Ibsen hat mit „Nora“ und „Gespenster“ zwei zeitlose Dramen zweier moderner bürgerlicher Familien geschrieben, die im Kern aufeinander bezogen erscheinen: Vergangenes liegt wie ein Joch auf der Gegenwart, aus der sich keine Kraft mehr für Zukünftiges speist. Schauspieldirektor Kay Voges verbindet die berühmtesten Stücke Henrik Ibsens zu einem zweiteiligen Familienporträt und setzt beide als Doppelpremiere in einem Bühnenbild in Szene. Das große Familienepos (Henrik Ibsen: „Nach Nora musste notwendigerweise Gespenster kommen.“) zeigt den schmerzhaften Spagat zwischen Moralvorstellungen und praktischer Vernunft, zwischen Anspruch und Wirklichkeit, Schein und Sein; in der zweiteiligen Inszenierung, die indes auch einzeln angesehen werden kann, verbindet Kay Voges „Nora“ und „Gespenster“ zu einem berührenden und zugleich erschreckenden Porträt einer implodierenden Familie.

„NORA“:
Auf das Idyll des Weihnachtsfest der Helmers fällt ein Schatten: Ein Angestellter aus Torvald Helmers Bank erpresst dessen junge Frau EleoNora wegen einer gefälschten Unterschrift – ein vor Jahren von EleoNora eingefädelter Betrug, der Torvald ohne sein Wissen das Leben rettete. Als er jetzt davon erfährt, droht nicht nur ihr mühsam aufrecht erhaltenes Lügengebäude einzustürzen: Torvald stellt in Frage, ob EleoNora mit dem Erbe der Lüge überhaupt den gemeinsamen Sohn Osvald erziehen könne – aber auch EleoNora muss eine Entscheidung fällen...

„GESPENSTER“:
EleoNora Helmer hat einst ihren Mann Torvald verlassen – diverse Verfehlungen ihres Mannes und die Erkenntnis, nur selbstbestimmt jenseits der goldenen Stäbe des Ehekäfigs leben zu können, veranlassten sie zu diesem Schritt. Sie flüchtete zu Pastor Manders, der sie indes aus Pflichtgefühl und trotz großer Zuneigung auf den „Pfad der Tugend“ und zu ihrem Mann zurückführte.
Jetzt, nach zwanzig Jahren, Torvald ist mittlerweile gestorben, scheint sich das Erbe der Verstellung und der Selbsttäuschung einerseits und der Lebenswandel Torvald Helmers andererseits zu rächen: EleoNoras schwer kranker Sohn Osvald kehrt nach Hause zurück, um mit seiner Mutter und Pastor Manders die Eröffnung eines Kinderheims zu feiern, das sie in Andenken an ihren Mann errichten ließ – sie hofft, mit dem durch das Erbe Helmers finanzierten Kinderheim die Gespenster der Vergangenheit zu bannen. Doch Osvald verliebt sich in Regine, die seit Jahren als Dienstmädchen und wie eine Tochter im Haus der Helmers lebt. EleoNora sieht die Gespenster der Vergangenheit wiederkehren. Als auch für Osvald und Regine offenbar wird, dass sie die heimlich uneheliche Tochter von Torvald und EleoNoras ehemaligen Dienstmädchen Marie ist, erscheint für beide ein gemeinsamer Weg in eine andere Zukunft unmöglich. Mehr und mehr bricht Osvalds eigentümliche Krankheit durch, die er von seinem Vater geerbt hat, und plötzlich brennt auch noch das Kinderheim... 

REGIE: Kay Voges
BÜHNE UND KOSTÜME: Pia Maria Mackert
VIDEO: Daniel Hengst
LICHT: Sibylle Stuck
DRAMATURGIE: Michael Eickhoff

„NORA“
MIT: Liam Adler, Andreas Beck, Ekkehard Freye, Caroline Hanke, Luise Heyer, Axel Holst, Cedric Joel Koch, Eva Verena Müller

„GESPENSTER“
MIT: Björn Gabriel, Luise Heyer, Uwe Rohbeck, Friederike Tiefenbacher, Michael Witte

DAUER: 4 Stunden 15 Minuten, eine Pause
 

Volker Roos, Rupert J. Seidl

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17. Juni (16.30 Uhr)

In Illyrien, einer kleinen Stadt am Meer, sind alle so verrückt, dass es verrückt wäre, nicht ebenso verrückt zu sein. Ein Leben ohne Musik, Liebe, Melancholie und Alkohol wäre möglich, erschiene den Illyrern aber vollkommen sinnlos.
Fremde sind willkommen; solange sie nicht auffallen und zur Absicht des Regierungschefs passen. Die ist einzig, die Liebe der schönen Olivia zu gewinnen. Für dieses Vorhaben hofft Orsino auf die Unterstützung des jungen Cesario, der eigentlich ein Mädchen ist, Viola heißt, und nach einem Schiffbruch an der Küste Illyriens gestrandet ist.

Deren Atmosphäre wird von der übertriebenen Selbstinszenierung der Illyrer vergiftet. Nicht Ehrlichkeit zählt, sondern nur ein gekonnter Auftritt.
Für die aufrichtige Viola, die als einzige gezwungen ist, sich zu verstellen, um als Mann getarnt ihren nach dem Unglück vermissten Zwillingsbruder suchen zu können, wird die Verschmelzung mit dem von der Gesellschaft auferlegten Rollenbild mit ihrem eigenen Ich besonders schwierig, als sie für Orsino um Olivia werben soll. Selbst in ihn verliebt, bemüht sie sich für ihren Herrn so sehr, dass sich Olivia wiederum in Viola in Gestalt des hübschen Cesarios verliebt.
 

Der Liebeswirrwarr ist umso schwerer zu durchschauen, als nicht nur bald nicht mehr klar ist, wer wen liebt, sondern auch, wer man selbst ist, und wer ist eigentlich der Andere, wenn man nicht hinsieht?
Und verursacht schon Verkleidung Verwirrungen, was passiert erst, wenn plötzlich ein Doppelgänger hinzukommt und Menschen auf mysteriöse Weise nicht mehr sie selbst zu sein scheinen.
 

Als der totgeglaubte Zwillingsbruder Violas, Sebastian, in Illyrien auftaucht, erreicht die Verwechslungskomödie eine neue Dimension.
Der trinkfreudige Sir Andrew wird augenscheinlich von dem Schwächling Cesario verprügelt und Sebastian zu seinem eigenen Erstaunen in den Hafen der Ehe geführt.

INSZENIERUNG: Karin Neuhäuser
BÜHNENBILD: Gralf-Edzard Habben
KOSTÜMBILD: Tina Kloempken
MUSIK: Matthias Flake
LICHTGESTALTUNG: Ruždi Aliji
MIT: Albert Bork, Klaus Herzog, Marco Leibnitz, Fabio Menéndez, Steffen Reuber, Volker Roos, Theresa Rose, Rupert J. Seidl, Simone Thoma, Gabriella Weber

DAUER: 2 Stunden, keine Pause

Sergej Lubic, Elisabeth Wolle

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11. Juni (11.00 Uhr)

Wendla ist vierzehn, ihre Mutter findet, sie zieht sich zu aufreizend an. Auf die Frage: „warum“, reagiert die Mutter ausweichend. Moritz ist ein Schulversager, obwohl er Tag und Nacht büffelt, sind seine Noten so schlecht, dass er Angst hat, von der Schule zu fliegen. Melchior könnte der Beste in der Klasse sein, doch sein aufmüpfiges Betragen passt den Lehrern nicht. Die Ausgangssituation von Frank Wedekinds erstem großen Bühnenerfolg „Frühlings Erwachen“ aus dem Jahr 1890 lässt sich ohne Weiteres auf heutige Jugendliche übertragen. Doch Wedekind beschreibt auch die sexuellen Nöte der drei: Wendla wird von Melchior ungewollt schwanger, ihre Mutter zwingt sie zu einer Abtreibung, bei der Wendla stirbt. Moritz kann, statt zu lernen, irgendwann nur noch an Sex denken und bringt sich um. Melchior fühlt sich für den Tod der beiden verantwortlich und steht ebenfalls kurz vor dem Selbstmord.

Pubertät, erste Liebe und der Umgang mit Sexualität verlaufen meist krisenhaft. Für heutige Jugendliche kommt der Spagat zwischen der eigenen Entwicklung und der Allgegenwart von Sex in den Medien hinzu. Besonders junge Menschen mit Migrationshintergrund, die oft in divergierenden Wertesystemen groß werden, haben es schwer einen selbstbestimmten Zugang zu ihrer Sexualität zu entwickeln. Wie läßt sich etwa eine streng religiöse Erziehung mit der freien Verfügbarkeit von Sex und der Omnipräsenz sexueller Bilder in Einklang bringen?

Karsten Dahlem ist Schauspieler, Regisseur und Drehbuchautor. Seine Kinder- und Jugendinszenierungen wurden vielfach ausgezeichnet, so erhielt er 2010 den österreichischen Theaterpreis für die beste Kinder und Jugendinszenierung. Nach einer Recherchephase mit Oberhausener Jugendlichen wird Karsten Dahlem eine eigene Bearbeitung von Wedekinds „Frühlings Erwachen“ erarbeiten.

REGIE: Karsten Dahlem
BÜHNE UND KOSTÜME: Inga Timm
MUSIK: Gregor Praml
DRAMATURGIE: Simone Kranz
MIT: Nora Buzalka, Marek Jera, Manja Kuhl, Sergej Lubic, Anna Polke, Eike Weinreich, Elisabeth Wolle

Tina Jücker, Claus Overkamp

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Gewinner Theaterpreis des Landes NRW bei „WESTWIND - 27.Kinder und Jugendtheatertreffen NRW 2011“

13. Juni (17.30 Uhr)

Immerzu macht sich Frau Meier über alles mögliche Sorgen. Große und kleine - und völlig unnötige, wie Herr Meier findet. Versteht sich von selbst, dass sie sich auch um die kleine Amsel sorgt, die eines Tages hilflos zwischen den Kürbisblüten sitzt. Liebevoll nimmt sie sich des kleinen Vogels an, hegt und pflegt ihn und bringt ihm das Fliegen bei, bis ihr selbst auch ganz leicht ums Herz wird.

Eine humorvolle Geschichte von Zuwendung und Verantwortung und ein Trostgeschichte für alle Sorgenumwölkten.

Die Aufführung wurde u.a. eingeladen zu „Starke Stücke 2011” und „Spielarten 2011”.

REGIE: Rüdiger Pape
AUSSTATTUNG: Regina Rösing
MIT: Tina Jücker und Claus Overkamp

DAUER: 50 Minuten, keine Pause

Manuel Moser, Eric Rentmeister

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Gewinner Preis der Jury und Preis der Kinderjury bei „WESTWIND - 27.Kinder und Jugendtheatertreffen NRW 2011“

17. Juni (15.00 Uhr)

Max und Aloysius sind beste Freunde – mit allem, was dazu gehört! Als Max bei Aloysius übernachtet, denkt natürlich keiner von den beiden ans Schlafen. Vielmehr nutzen sie die Zeit für Abenteuer, Kämpfe, wilde Wettrennen und eine Mitternachtsparty. Es geht darum die Welt zu retten, schneller, höher, weiter zu kommen und nebenbei alle Verbote der Eltern erfindungsreich zu umgehen.
Das Stück erzählt auf bewegte Weise von Lust und Frust des Junge-Seins und öffnet ganz nebenbei neue Möglichkeiten des (Rollen-)Verhaltens.

Die Inszenierung wurde ausgewählt für die Reihen „theaterstarter 2011/12“ und „Kindertheater des Monats 2011/12“ sowie das Festival „Spielarten“ in NRW, 2011. Außerdem wurde sie nominiert für das 11. Kinder- und Jugendtheatertreffen „Augenblick mal!“, Berlin 2011 und eingeladen zum Festival „agor drysau 2012“ nach Cardiff, Wales.

REGIE: Andrea Kramer
AUSSTATTUNG: Sabine Kreiter
DRAMATURGIE: Sylvie Ebelt
STIMME: Sabine Flack
MIT: Manuel Moser, Eric Rentmeister

DAUER: ca. 45 Minuten, keine Pause